Ellas, Nosotras
Trabajo de creación visual en el que 12 fotógrafas contemporáneas resignificamos, a través de un diálogo fotográfico de tú a tú, la obra y la figura de 12 mujeres creadoras de las vanguardias europeas del siglo XX en distintas artes visuales (cine, artes escénicas, performance, pintura, dibujo, poesía, baile, escultura y fotografía). Todas ellas fueron pioneras en su ámbito y poco conocidas en la actualidad.
Actividad realizada con ayuda del Ministerio de Cultura y Deporte.
Marie Høeg. (Noruega 1866-1949)
Fotógrafa y activista feminista muy influenciada por los movimientos a favor de los derechos de la mujer. Estableció su propio estudio de fotografía junto a su pareja, la fotógrafa Bolette Berg. A lo largo de su vida creo una colección de fotografía de carácter personal junto a su pareja en las que desafiaban y jugaban con los estereotipos de género. Imágenes que nos dejan un valioso testimonio sobre la disidencia de sensibilidades en torno a los roles fijados tradicionalmente para mujeres y hombres de la época.
©Berg & Høeg Marie Høeg i selskinnspels. ca. 1895-1903 - Preus Museum.
Marina Bobo interpreta a Elsa von Freytag-Loringhoven
Marina Bobo, fotógrafa madrileña. Me Interesa la observación del individuo en sociedad, mis trabajos hablan de la normalización del comportamiento, de la extrañeza de las culturas y de los límites dibujados por las enseñanzas y creencias heredadas.
Elsa von Freytag-Loringhoven (Prusia 1874 - 1927)
Pintora, escultora, perfomer, poeta y artista radical. Pionera del Dadaísmo y precursora de los “ready-made”. Hizo del arte su forma de vida. Se conservan pocas obras suyas, aunque algunos investigadores aseguran que obras atribuidas a otros artistas de la época son suyas, como “La Fuente”, atribuida a Marcel Duchamp, de la que sería coautora.
God (1917), ©Elsa von Freytag-Loringhoven. ©Morton Livingston Schamberg, gelatin silver print, Museum of Fine Arts, Houston.
María Rojas interpreta a Carmen Tórtola Valencia
María Rojas, fotógrafa. Me interesa el borde que separa lo material y lo artificial, la imagen fotográfica frente al objeto y su espacialidad. Un gesto que manipula, activa y transforma los espacios frente a su sistema de representación convirtiendo nuestro imaginario en una suerte de bestiario de objetualidades líquidas y mutantes en constante conversación con diversos trastornos contemporáneos, imágenes que se viralizan, se comparten, se despolitizan y a la vez son imágenes cuerpo, imágenes que son parte de nuestra piel, que nos invaden desde nuestros dispositivos hasta la retina en un constante intercambio lingüistico.
Carmen Tórtola Valencia. (España 1882 - 1955)
Una de las grandes de la danza del siglo XX, bailarina, coreógrafa y escenógrafa. Pionera en la defensa de los derechos de las mujeres, y transgresora en su arte. Sus danzas de inspiración exótica, enmarcadas en los criterios estéticos del Modernismo, no gustaban a todo el mundo, los círculos conservadores las encontraban demasiado liberales.
©Tórtola Valencia a 'Dansa Africana', 1928, ©Badosa. MAE - Centro de Documentación y Museo de las Artes Escénicas. Instituto del Teatro.
C. Vela interpretando a Renée Sintenis
Laura C. Vela, fotógrafa y editora madrileña. Mi obra se centra en lo cotidiano, lo pequeño y las personas. A través de la fotografía busco indagar sobre los vínculos que hacen que las personas, las cosas y el mundo se mantengan unidas. Para mí la fotografía es un enfrentamiento con la realidad y en esa confrontación me cuestiono a mí misma y mis relaciones. Me interesan conceptos como la curiosidad, la calma y la pasión, entendiendo ésta como un impulso vital además de como deseo.
Renée Sintenis (Alemania 1888 - 1965)
Escultora expresionista. Sus obras muestran interés por la poética del movimiento y la forma, más que por la perfección anatómica o el detalle. "Mis modelos son una percepción, no una idea". Expuso en París y Nueva York y fue la primera escultora admitida en la Academia de las Artes de Prusia como profesora. Su estatua Oso de Berlín se utiliza para los premios del Festival Internacional de Cine de Berlín.
©Renée Sintenis. ©Sasha and Cami Stone. Berlín.
Patricia Sotomayor interpretando a Jeanne Roques
Patricia Sotomayor, fotógrafa. Mis proyectos personales tratan sobre el comportamiento de las personas y la capacidad del ser humano de sobreponerse a sus circunstancias. Me interesan los símbolos, el juego y la transformación. Mis imágenes cuestionan la realidad y retan a descubrir la verdad escondida en las diferentes capas de lectura de cada una de ellas.
Jeanne Roques, (Francia 1889 - 1957)
Actriz, directora, escritora, productora y realizadora. Conocida como Musidora, triunfó en el music hall, icono de la Belle Époque, arquetipo de mujer fatal. Dirigió varias películas, como La vagabunda, adaptación de una novela de Colette. Vivió en España entre 1921 y 1924, donde realizó 3 películas, La capitana Alegría, Sol y sombra y La tierra de los Toros. La industria audiovisual borró parte de su carrera, y se han perdido parte de sus trabajos como directora.
Fotografía publicitaria de Musidora - Autor desconocido
Para mí, ser fotógrafa, artista o creadora es una forma de estar en el mundo. Me interesa la temática sobre la mujer. También exploro la percepción e interpretación única que cada persona tenemos, con respecto al mundo que nos rodea, el paisaje, la arquitectura; son enigmas en los que investigo a través de mis trabajos.
Elvira Ruíz. (España 1904 - 1996)
Fotógrafa. Heredera de una saga de fotógrafos cordobeses. Con 8 años comenzó a ayudar en el estudio de su padre. A los 15 dominaba el arte de la fotografía, el retrato de estudio y la iluminación. A partir de los 20estableció su propio estudio. Dedicó toda su vida a la fotografía, fue pionera en el proceso de iluminar, en lo que llegó a ser el máximo exponente de la región. En 1930 ganó el premio de la revista Kodak y se convirtió en maestra de fotógrafos.
Fotografía ©Elvira Ruiz - Proporcionada por su hija Elvira Padilla Ruiz.
Lurdes R. Basolí interpreta la obra de Delhy Tejero
Lurdes Basolí, fotógrafa. El reconocimiento precoz con el proyecto La Sucursal me hizo sucumbir en una crisis que transformó mi relación con la fotografía. Al reflotar abandoné el fotoperiodismo como forma de contar historias para adentrarme en proyectos conscientes de mi responsabilidad en la representación de la otredad. Mis proyectos transitan entre lo poético de Signis, Ababol o Ser Otra y la reflexión crítica de Eclipse o Blank. El giro de la mirada hacia mí misma me conduce a procesos corales y colaborativos como #serlobas, que cuestionan el canon y la genialidad del autor en favor la multimirada para (re)construir imaginarios nuevos.
Delhy Tejero (España 1904 - 1968)
Pintora, dibujante, muralista y artista de la «edad de Plata». Perteneció al grupo de mujeres artistas las Sinsombrero. Se autodefine como una mujer “¡Incansable, joven, hambrienta, indomable, caprichosa, mística, profana, andariega, quieta, sabia, ignorante, desordenada, amiga del orden!”. Colaboró en las mejores revistas y se relacionó con intelectuales y escritores de la época. Residió en París, Bruselas, Tanger y Capri. Ejerció de profesora en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y realizó numerosas exposiciones a lo largo de su vida. Única mujer que participó en la primera exposición de arte abstracto, sumergiéndose desde entonces en el informalismo. Críticos de la época la sitúan a la vanguardia del arte moderno español.
Obra de ©Delhy Tejero - facilitada por la familia Delhy Tejero.
Rocío Bueno interpreta la obra de Marga Gil Roësset
Rocío Bueno, fotógrafa madrileña. Me fascina la naturaleza silenciosa, abierta y polisémica de la imagen y concibo la fotografía como un sistema en el que confluyen muchas miradas. La uso como herramienta de comunicación para establecer diálogos y explorar mis propios procesos como mujer. Me interesa expandirla, poniéndola en relación con otras artes visuales como el dibujo, el collage, la escultura o la poesía. Abordo temas relacionados con el género, la maternidad, los miedos, la furia, el cuerpo, los vínculos, la herencia y la memoria. En mi trabajo me propongo interrogar a las imágenes para atravesar su superficie y los límites del marco.
Marga Gil Roësset. (España 1908-1932)
Escultora e ilustradora perteneciente a la Generación del 27 de las Sinsombrero. A los siete años escribió e ilustró un cuento dedicado a su madre, La niña curiosa. Sus ilustraciones combinan modernismo, simbolismo y un dibujo líneal sintético. La escultura era su pasión, autodidacta, moderna, innovadora, con un estilo propio. Su obra no oculta la fealdad o las taras, refleja la belleza y la deformidad y tiene ciertos tintes de sátira. Esculpía desde dentro hacia fuera, intentando trascender la apariencia y aflorar la esencia de las cosas. En su breve vida realizó varios grupos escultórico y bustos, como el de Zenobia Camprubí y recibió muy buenas críticas.
©Marga Gil Roësset. Autor fotografía desconocido - Marga Clark.
Laura M. Lombardía interpreta la obra de Jacqueline Lamba
Laura M. Lombardía, fotógrafa. En mi trabajo exploro la anatomía de lo ambiguo. Mi fotografía nace desde la penumbra. En un lugar combativo, siempre de fricción. Me interesa la incomodidad del ser y su lucha por mantenerse erguido. Intento mediante la creación artística hallar un sentido a cuanto nos rodea. Componiendo series anímicas que inciden especialmente en lo invisible, en aquello que no advertimos pero que nos constituye. Es el resultado de un modo de ver y de estar en el mundo. Atraída desde siempre por la frase de Diane Arbus “una fotografía es un secreto sobre un secreto, cuanto más te cuenta menos sabes” mis imágenes presentan un universo personal dónde los límites de la existencia y la levedad del ser se muestran con la naturalidad de la misma vida.
Jaqueline Lamba. (Francia 1910 - 1993)
Pintora Surrealista primero y posteriormente abstracta. Participó, en Exposiciones Surrealistas entre 1934 y 1948, pero al igual que las demás mujeres de la corriente, su arte no fue tomada en serio. Independiente, rebelde contra los convencionalismos y extravagante, nunca dejó de luchar para que se la reconociera como pintora en vez de musa de los surrealistas o mujer de André Bretón, del que se divorció para desarrollarse como artista. En Nueva York participó en varias exposiciones, entre ellas la de 31 Mujeres organizada por Peggy Guggenheim.
Pintura ©Jacqueline Lamba. Autor fotografía desconocido.
Laura San Segundo interpretando a Meet Oppenheim
Laura San Segundo, fotógrafa. La mayor parte de mi obra surge del flujo de ideas, sentimientos o sensaciones que desencadenan un concepto, una experiencia, una observación o los intersticios que se generan al relacionar imágenes de distinta naturaleza; trabajando no con historias concretas, sino de manera intuitiva sobre el espacio, el tiempo, la materialidad y el potencial narrativo o metafórico de lo cotidiano, con numerosas referencias a la tradición pictórica europea y un interés particular en cómo la imagen como documento puede ser al mismo tiempo utilitaria, personal y artística, y cómo es posible desdibujar sus usos, fines o significados mediante estrategias como el recorte, la fragmentación, la descontextualización, el texto, el diálogo o la yuxtaposición, entre otras.
Meret Oppenheim. (Alemania 1913 - 1985)
Fotógrafa, escultora y creadora surrealista. Fue musa de los artistas de vanguardia como Man Ray y posteriormente se forjó y reivindicó un camino propio. Formó parte del grupo de poetas, pensadores y artistas cercanos al surrealismo y participó en muchas exposiciones del grupo. Trabajó con dibujo, pintura, poesía y escritura onírica y diseñó aparatos domésticos mezclando elementos animales y antropomórficos con objetos cotidianos descontextualizados. Su obra “Juego de desayuno de piel” es uno de los objetos más conocidos del movimiento surrealista.
©Meret Oppenheim. © 2022 Artists Rights Society (ARS), New York / Pro Litteris, Zurich.
Elisa Miralles interpretando a Unica Zürn
Elisa Miralles, fotógrafa madrileña. Me interesa la relación con las personas, me gusta pensar en la fotografía como el fruto de un encuentro. Incorporo este diálogo con la obra de Unica Zürn al trabajo que estoy desarrollando sobre mujer y cuerpo, que pretende generar una transformación de la mirada hacia el cuerpo propio y el ajeno, subvirtiendo un imaginario que históricamente ha objetualizado nuestros cuerpos. Me interesa recuperar el poder del monstruo, nuestra parte animal, la conexión con nuestro instinto más primario, liberar la ira y el deseo para derribar los tabúes y los estereotipos impuestos, conectar con lo sensorial y lo orgánico para ceder espacio al cuerpo, a una metamorfosis necesaria.
Paula Yubero interpreta a Marie Høeg.
Paula Yubero, fotógrafa madrileña. Cuando era niña, pasaba gran parte de mi tiempo dentro de un pequeño armario, jugando y hablando con una amiga invisible, a quien solo yo podía ver. En ese espacio minúsculo, convivía con todas las imágenes que mi imaginación creaba; podía ver todo lo que yo quisiera. Ahora me escondo detrás de mi cámara, que me permite revelar al otro todo lo que podía ver en ese minúsculo armario.
Unica Zürn (Alemania 1916 - 1970)
Pintora, escritora y poeta. Conocida por sus dibujos automáticos y su poesía anagramática. Estuvo integrada en el círculo surrealista de París. Sus dibujos inquietantes, llenos de criaturas fantásticas, seres híbridos entre animales y humanos, son el reflejo de su mente, sus conflictos y su padecimiento. Muy marcada por los abusos sexuales de su hermano en su niñez y su relación de dependencia sadomasoquista con el escultor Hans Bellmer que la llevaron al borde de la locura. Tuvo varios brotes esquizofrénicos que provocaron numerosos internamientos en hospitales psiquiátricos, pero también incentivaron su proceso artístico y motivaron una gran creación literaria, entre las que destacan dos novelas póstumas, El Hombre Jazmín y Primavera Sombría.
Dibujo de ©Unica Zürn. Autor fotografía desconocido.
Para reforzar el diálogo el proyecto se completa con un retrato a cada fotógrafa intervenido con un retrato de archivo de la artista visual con la que ha dialogado, creando una imagen híbrida que hace de puente entre ambas, conectando pasado y presente.
Paula Yubero y Marie Høeg
Marina Bobo y Elsa-Von-Freytag-Loringhove
María Rojas y Carmen Tórtola Valencia
Laura C. Vela y Rénee Sintenis
Patricia Sotomayor y Jeanne_Roques
Laura F. Izuzquiza y Rózsa Klein
Lurdes R. Basolí y Delhy Tejero
Rocío Bueno y Marga Gil Roësset
Laura San Segundo y Meet Oppenheim
Elisa Miralles y Unica Zürn (sin permiso de uso por los herederos del autor, Man Ray)
Marie Blanche Wittman, más tarde apodada “la reine des hystériques”, ingresó por vez primera en el hospital parisino de La Salpétrière a los dieciocho años, en 1877. Fue una de las pacientes más célebres del neurólogo Jean-Martin Charcot, maestro de Sigmund Freud y especialista en tratamiento con hipnosis de la denominada histeria, un trastorno de origen desconocido que afectaba fundamentalmente a las mujeres (o eso se creía) y producía una serie de síntomas neuróticos diversos como cefaleas, insomnio, irritabilidad, episodios de crisis convulsivas y “propensión a causar problemas”, según la literatura científica de la época. Estremece ver en la actualidad el álbum Iconographie photographique de la Salpétrière, una recopilación de fotografías de los pacientes del servicio de Charcot publicado por Bourneville y Regnard unos años más tarde. Marie Wittman es una de sus protagonistas y se la retrata en “estado normal” y en pleno paroxismo, fuera éste real o inducido.
En ese mismo año de 1877, la joven periodista norteamericana Nellie Bly, recién contratada por Joseph Pulitzer para el diario sensacionalista The New York World, recibió su primer encargo de importancia: escribir un artículo sobre el asilo psiquiátrico para mujeres de la Isla de Blackwell. Decidió para ello infiltrarse como una paciente más, para poder describir de primera mano las terribles condiciones de vida y el trato denigrante al que eran sometidas las enfermas (iniciando con ello lo que actualmente conocemos como periodismo gonzo). “Hay dieciséis médicos en esta isla, y excepto dos, nunca los he visto prestar atención a sus pacientes. ¿Cómo puede un médico juzgar la cordura de una mujer simplemente dándole los buenos días y negándose a escuchar sus súplicas?” escribiría Nellie Bly en el sorprendente Diez días en un manicomio.
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La histeria femenina fue una enfermedad victoriana que afectaba a una de cada cuatro mujeres, o eso afirmaban algunos médicos de entonces. Su diagnóstico permitió confinar a muchas hijas, hermanas o esposas cuyo síntoma era “la propensión a causar problemas”. Dicho de otro modo, su renuncia al decoro, a la moral, al rol doméstico, dócil y reproductor que la sociedad les asignaba. Con el auge del sufragismo, la histeria se convirtió en una pandemia cada vez más difícil de controlar o de justificar desde un punto de vista científico.
Dos décadas más tarde, en 1896, la fotógrafa Frances Benjamin Johnston realizó en su casa-estudio de Washington, D. C. un autorretrato cargado de intención. La imagen se conserva entre las más de 20.000 que ella misma donó a la Librería del Congreso en 1947, pocos años antes de su muerte, tras una carrera independiente, fructífera y reconocida por sus contemporáneos.
En la fotografía vemos a Johnston posando “como un hombre” según los cánones victorianos (actualmente vigentes en ciertas mentes y sectores). La fotógrafa aparece sentada de lado sobre un cajón de madera, con las piernas cruzadas y mostrando sus enaguas en un gesto rotundo, carente de coquetería. Se inclina agresivamente hacia delante, como si tratase de convencer a un interlocutor invisible durante una acalorada conversación, cigarrillo y jarra de cerveza en ristre. Sobre la repisa de la chimenea ha dispuesto seis retratos tomados por ella misma de varones ilustres: un poeta, un dramaturgo, dos bibliotecarios y un fotógrafo, miembro como ella del Capitol Camera Club (del cual fue la primera mujer admitida). Johnston tituló esta imagen Self-portrait as New Woman, autorretrato como “mujer nueva”.
Dos años antes, la escritora irlandesa Sarah Grand había empleado por primera vez dicha expresión para referirse a las mujeres autónomas, influidas por el sufragismo y deseosas de un cambio radical en su función y percepción social. Otra autora, Ouida, contraria al movimiento, asentó un término finalmente popularizado por Henry James, sensible a una emergencia feminista que representó en novelas como Daisy Miller o Bostonianas. Las “mujeres nuevas” accedían a la educación, a un papel más activo en la vida pública; ejercían cierto control sobre sus propias vidas, vestían más cómodas, montaban en bicicleta (lo que en esta época, era todo un símbolo de libertad de movimiento).
Tendemos a pensar que la causa feminista nació después de la Primera Guerra Mundial debido al rol prominente de las mujeres trabajadoras en la retaguardia; sin embargo, fue la primera revolución industrial la que propició la incorporación de la mujer al trabajo precario de las fábricas y su consiguiente conciencia de clase. La asunción de las desigualdades intrínsecas a su condición, el inconformismo y la voluntad de mejora se fraguaron en los telares, y fueron posteriormente formulados por movimientos burgueses como el sufragismo, pero también por los líderes del incipiente movimiento obrero y sus compañeras de lucha. Las nuevas mujeres fin de siècle eran deudoras de esta mano de obra barata que fueron las mujeres pobres trabajadoras de principios del XIX. En 1897, Frances Benjamin Johnston publicó un artículo en una revista femenina, el Ladies Home Journal, bajo el título “Lo que una mujer puede hacer con una cámara”, en el que recomendaba la fotografía como una profesión especialmente indicada para las mujeres en busca de independencia. El texto sorprende por su modernidad, por la vigencia de muchos de sus consejos, y porque presenta a una mujer emprendedora como referente, lo cual no era tan extraordinario para sus contemporáneos como imaginamos.
La Primera Guerra Mundial aceleró y exacerbó el proceso de emancipación femenino ligado a la mecanización de la sociedad. Carmen de Burgos “Colombine”, periodista española, corresponsal de guerra y defensora de los derechos de la mujer, escribió en 1917 un relato curioso titulado El Kodak. Su protagonista, una mujer acomodada norteamericana, deambula sola por Hamburgo en plena guerra tomando fotografías con su cámara automática Kodak —la propia firma había lanzado hacia 1900 una campaña exclusivamente dirigida a las mujeres y su protagonista, la Kodak-girl, era una figura muy popular—. La actividad de esta turista solitaria levanta las sospechas de dos oficiales que la detienen con brusquedad por pensar que es una espía: una mujer que transitaba sin compañía masculina con una máquina de hacer fotos era potencialmente peligrosa (una mujer podía hacer muchas cosas con una cámara).
Tras la guerra, la sociedad europea estaba diezmada (diez millones de hombres murieron en el campo de batalla) y absolutamente traumatizada por su capacidad de autodestrucción y barbarie. Contra todo pronóstico, la precaria República de Weimar alemana alumbró un renacimiento cultural surgido de las cenizas de sus ciudades en reconstrucción, impulsado por una juventud decadente y nihilista que se adueñó de la noche, de los símbolos de la modernidad (el automóvil, el cine, el jazz) y propuso nuevos lenguajes para hablar de futuros utópicos, distópicos, feroces. Fue el período cultural más brillante, libre y fértil de la contemporaneidad. También fue el caldo de cultivo de ideologías tan radicales como la ruptura de formas que suponían las vanguardias (no olvidemos que Goebbels fue ferviente admirador de las películas de Fritz Lang). En el Berlín de entreguerras, el cuerpo también fue una forma susceptible de distorsionarse: los cabarés se poblaban de seres andróginos, sexualmente activos, fuera de norma. Las neue frau de los años veinte ya no eran las new women burguesas anteriores a la guerra. Eran mujeres artistas, profesionales o buscavidas independientes, con una sexualidad desenfadada, asertiva. Ya no solo montaban en bici; lo hacían en pantalones, sin sombrero, con cortes de pelo inéditos. Algunas conducían, otras bailaban, opinaban, bebían, fumaban, se drogaban. Si tenían necesidad de trabajar, ya no estaban abocadas a un burdel o una fábrica. Podían ser taquígrafas, operadoras, secretarias, enfermeras, pero también escritoras, fotógrafas, cineastas, pintoras, diseñadoras... Se las llamaba garçonnes, unas chicas masculinas que bien podrían haber sido chicos femeninos, porque en Berlín, de noche, todos los gatos eran pardos.
Esta nueva feminidad fue maravillosamente descrita por José Díaz Fernández, un autor español afín a la República y olvidado tras su exilio, en la novela La venus mecánica, ambientada en el prometedor Madrid de la Edad de Plata: “El rostro aniñado, un poco andrógino, el sombrero de muchacho y la blusa cerrada, sugerían una de esas bellezas preparadas para la química cosmopolita. Más que mujeres, esquemas de mujeres como las pinturas de Picasso (…) Aquel ser no podía cuajar por sí solo en el misterioso laboratorio del útero. Era una sutil colaboración entre la máquina y la industria, de la técnica y el arte. Alimentos concentrados, brisas artificiales del automóvil y el ventilador eléctrico, iodos de tocador, sombras de cinema y claridades de gas.”
El cine fue sin duda el gran promotor global de los nuevos estereotipos femeninos. La industria cinematográfica, un medio masivo y popular entre todos los estratos sociales, creaba heroínas tradicionales (madres abnegadas, ángeles del hogar, viudas desconsoladas) y nuevos roles, más ambiguos: vamps (un término acuñado por la interpretación de Musidora en Los vampiros de Louis Feuillade); femmes fatales (figuras fundamentales en los primeros films noirs como la Lulú interpretada por Louise Brooks en La caja de Pandora); flappers (las jovencitas desinhibidas que llenaban los speakeasys durante la Ley Seca); incluso autómatas, mujeres-robot como la Maria de Metropolis. Todas ellas ofrecían nuevos referentes para las mujeres jóvenes de su época que les permitían adoptar nuevos comportamientos y proyectar futuros más allá del entorno doméstico.
Cuando Rocío Bueno me invitó a redactar un texto para este proyecto colectivo, quise evitar hacer exégesis de lo que sus doce integrantes proponen, ya que todas ellas saben perfectamente qué hacer con sus cámaras (lo cual queda patente en las imágenes y textos que vienen a continuación). Como considero que la función de la crítica de arte no es la redundancia, me pareció más juiciosa la opción de escribir un prólogo que diera cuenta de la genealogía que permite asimilar en su justo contexto las figuras de las doce creadoras de vanguardia a las que este proyecto rinde tributo, pues no debemos caer en la tentación de considerar que estamos rescatando lo oculto. Ninguna de esas mujeres ejerció su profesión en la sombra. Estuvieron presentes, fueron respetadas por sus colegas, pudieron producir y compartir su obra. Tampoco están al margen de los archivos, aunque tal vez haya que ser más minucioso o sistemático para dar con sus rastros. Su omisión no se debe a la excepcionalidad de sus trayectorias; se debe a la sistematización del olvido perpetrada por los historiadores y las historiadoras del siglo XX y, lo que es más grave, del siglo XXI.
Existe una historia de las artes protagonizada por mujeres: una historia minoritaria pero significativa, en absoluto marginal y sin embargo silenciada por el relato canónico. La aparición paulatina de la figura de la mujer en la escena literaria, artística y escénica entre los últimos años del siglo XIX y la década de los treinta del siglo XX se produjo en un contexto absolutamente dominado por el hombre. Fueron ellos los que escribieron sobre arte, pero también los que gestionaron, promovieron y controlaron sus estructuras organizativas. No obstante, los archivos, hemerotecas, anuarios y publicaciones de la época están plagados de mujeres que dirigían y promovían sus carreras creativas. En este prólogo he citado varias; este proyecto introduce otras tantas, y todo ello supone una ínfima proporción de la realidad.
La emancipación y liberación creativa de las nuevas mujeres de los años veinte se ensombreció con el auge de los fascismos y el «retorno al orden» social. La mujer volvió a ser ángel (un ángel cinemático, iluminado por los convencionalismos hollywoodienses) y retornó al hogar (un hogar que pronto dispondría de electrodomésticos y televisores, los nuevos objetos de deseo de la sociedad de consumo), pero esa es otra historia.
Empecemos por esta.
María Santoyo
Noviembre 2022
El objetivo del trabajo es la recuperación y reivindicación de referentes de mujeres que nos sirvan de inspiración por sus vidas, así como dar visibilidad y poner en valor el trabajo de las mujeres fotógrafas actuales.
Publicación divulgativa del proyecto
Agenda atemporal, resultado del diálogo visual de las 12 fotógrafas contemporáneas y la obra de las 12 mujeres pioneras de las vanguardias europeas del siglo XX.
De distribución gratuita.
Actividad realizada con la ayuda del Ministerio de Cultura y Deporte.